la vuelta de Hal Hartley

En en el Festival de Mar del Plata hacen una retrospectiva de Hal Hartley. Es la primera vez en 8 años que no iré al festival y me pierdo una de las restrospectivas que más curiosidad me despierta. A principio de los 90 Hartley representaba de alguna manera la continuación del cine independiente de tipos como Jim Jarmusch. En realidad creo que a partir de Hartley se empezó a acuñar el termino "indie" para ese tipo de películas. Fui un seguidor de los films de Hartley, todavía tengo algunas copias en VHS de las películas que en aquél momento se editaron en Argentina. Pero a mediados de los 90 le perdí el rastro a tal punto que me había olvidado de sus películas a las que recuerdo fragmentariamente. Trabajaba (o trabaja) casi siempre con los mismos actores, incluyendo al argentino Martin Donovan.  Sus films tenían cierto refinamiento y sofisticación pero acompañada de un registro muy real de los personajes, muchos de ellos habitantes de Long Island y provientes de una clase trabajadora. Hartley fue moda y ahora lo recuperan desde un festival. Me interesaría saber que pasó con este director.

Se fue Chabrol

Murio Chabrol, uno de esos cineastas que cuando miraba sus películas me parecía que el tipo la pasaba muy bien haciéndolas y se me ocurre que le resultaba muy sencillo dirigirlas. Parecía un tipo que dominaba el lenguaje cinematográfico a la perfección y daba gusto disfrutar de sus films que bajo la apariencia de cierta liviandad escondían lo más crudo de la sociedad burguesa. Una pena que este pendejo de 80 años se haya muerto cuando seguramente tendría varias películas más en su cabeza.

Sid & Nancy y el Comisionado Gordon

Haciendo zapping me acabo de encontrar en I SAT con un documental que se llama Who killed Nancy? y trata sobre la muerte de Nancy Spungen, aunque la figura central del documental es su novio Sid Vicius. Pero no voy a entrar en detalles de un film que veré por la mitad. Lo que sucede es que recordé la película Sid & Nancy de Alex Cox, un director que tuvo su fama de transgresor en la década del 80, con películas como Repo Man, Walker y obviamente Sid & Nancy. Hace un tiempo que perdí de vista a Cox. Vi Sid & Nancy en el momento de su estreno a mediados de los 80 y  la volví a ver en VHS  en la misma época en la que me interesaba ver un film como este o Nueve Semanas y Media con la misma curiosidad. De 9 semanas & media solo me queda el recuerdo de Mickey Rourke y de Kim Basinger iluminados publicitariamente con Joe Cocker cantando de fondo. De Sid & Nancy me queda el gusto de lo que creo que fue una buena película y de la muy buena interpretación de Gary Oldman. Hace un par de días puse en mi dvd una película que tenía en lista de espera: Batman, el Caballero de la Noche o The Dark Night, coo mejor prefieran. Allí me volví a encontrar con Gary Oldman, bastante lejano al  punk de Sex Pistols o al rebelde Joe Orton de Susurros en tus oidos. Gary Oldman también puede ser el Comisionado Gordon, el aliado de Batman, con esa cara de bonachón y más de veinte años después. Me doy cuenta que Oldman es de esos actores que quizás no están habitualmente en las primeras planas de las noticias del espectáculo, pero es uno de esos pocos actores que pueden hacer cualquier papel. Desde Sid Vicius, hasta Gordon, pasando por el policía corrupto de El perfecto enemigo, el Sirius Black de Harry Potter o el Dracula de Coppola.
Creo que Sid & Nancy no ha sido editadas en dvd en el país. Me gustaría volver a verla, creo que voy a pasar por el video club de Taringa.

La Chinoise

JLG & The Rolling Stones

Uno de los puntos de partida para (mi) Historia Argentina.

Rolling Stones - Plundered My Soul

UNA PELICULA QUE TE INFLUENCIA

Looking Back At The Career of Dennis Hopper

Easy Rider

Murió Dennis Hopper, uno de mis directores y actores preferidos. Uno de esos tipos con los que me imaginé alguna vez compartiendo algo parecido a una película. Todos sus papeles tenían algo que seducía, aunque trabajara en un film serie B (como lo hizo tantas veces). Y como director fue el primero en imprimirle a Hollywood la marca de la contracultura.

Aquí van algunas informaciones que salieron en los medios a partir de su muerte.

LOS ANGELES, Nueva York.- El actor estadounidense Dennis Hopper murió anoche a los 74 años, a causa de un cáncer, informaron hoy los medios de su país.

El artista murió en Venice, en el estado norteamericano de California, rodeado de su familia y de sus amigos más estrechos. Hace apenas dos meses había recibido una estrella en el Paseo de la Fama. A pesar de su frágil salud, participó en la ceremonia y disfrutó de los aplausos de varios amigos famosos y cientos de fans.

"Ustedes hicieron posible que yo tuviera una vida que jamás hubiera imaginado", agradeció el actor tras recibir el lauro. Incluso, posó junto a su gran amigo Jack Nicholson, de 73 años. Según sus abogados, cuando se realizó la entrega de los premios, pesaba ya apenas 45 kilos. (DPA)

El actor Dennis Hopper ha muerto a los 74 años tras protagonizar una larga lucha contra el cáncer. Hooper entró en el olimpo de Hollywood hace cuatro décadas, cuando en 1969 dirigió y protagonizó Easy Rider, una road movie, icono de la contracultura estadounidense de la época, que abordaba sin tapujos las contradicciones de una década, los sesenta y la generación hippie, que tocaba por entonces a su fin.

El intérprete ha muerto en su casa de Venice, en California, rodeado de amigos y familiares, por complicaciones en el tratamiento del cáncer de próstata que padecía hace meses, según ha explicado un amigo a Reuters.

El cáncer, ya en fase muy avanzada, no le impidió acudir al homenaje que le brindaron sus compañeros de profesión a finales de marzo. Arropado por amigos y por su hija de seis años, Hooper tuvo fuerzas para posar ante la estrella con su nombre en el Paseo de la Fama en Hollywood.

Hopper dejó papeles para el recuerdo, como en El amigo americano (1977), de Wim Wenders,Apocalypse Now (1979) y Rumble Fish (1983), de Francis Ford Coppola, y Terciopelo azul(1986), de David Lynch. También participó en dos películas españolas: Reborn (1981), de Bigas Luna, y Elegy(2008) -donde coincidió con Penélope Cruz-, dirigida por Isabel Coixet.

En 2002 recibió el Premio Donostia del Festival de Cine de San Sebastián, un galardón entregado por su amigo y cineasta Julian Schnabel, quien lo definió como "modelo de lo iconoclasta". "Transformó Estados Unidos en Estados Alterados", dijo Schnabel al referirse al impacto social de Easy Rider, un filme que causó un profundo impacto en la sociedad de su tiempo "al retratar su espíritu".

Fue candidato al Oscar en dos ocasiones, al mejor guión original por Easy Rider y al mejor actor de reparto por Hoosiers, y en 2008 coincidió con Penélope Cruz en "Elegy", dirigida por Isabel Coixet.

A los iraníes no les gusta como se viste JulieTte Binoche

Prohíben en Irán el nuevo film del cineasta Abbas Kiarostami
Según informó el viceministro de la Cultura de ese país, Javad Shamaqdari, Copie conforme no se podrá estrenar "por el modo de vestir que tiene Juliette Binoche". La actriz francesa-premiada en Cannes por este trabajo- luce... un largo vestido durante la película.

FILM SOCIALISME

Los resistentes en ARTEÓN

Hoy en Arteón se estrena Los Resistentes con la presencia de su director Alejandro Fernandez Moujan

SINOPSIS

Relatos de protagonistas de la lucha clandestina llamada resistencia peronista, entre 1955 y 1965.
Primero los bombardeos a la población civil de Buenos Aires el 16 de junio y luego el golpe militar del 16 de septiembre de 1955, impulsan a trabajadores, trabajadoras y gente del pueblo a salir en defensa del gobierno de Perón.
Allí nace la “anormal, desmesurada, alucinada odisea de la Resistencia”, la lucha clandestina contra una sangrienta dictadura autodenominada “Revolución Libertadora” y rebautizada como “Fusiladora”.
Hoy, esos mismos hombres y mujeres con más de 70 años, recuerdan su lucha, y se reivindican aún como resistentes.

a las 20:30 hs

Jafar Panahi en huelga de hambre

El cineasta iraní encarcelado pide que dejen de acosar a sus familiares y que le asista un abogado

"Juro por el cine en el que creo, que no voy a cesar mi huelga de hambre hasta que se cumplan mis peticiones", asegura el director iraní Jafar Panahi en la carta que ha dictado a su familia desde la cárcel de Evin y que ha hecho pública la Campaña Internacional por los Derechos Humanos en Irán (CIDHI). El cineasta, detenido el 1 de marzo, se niega a ingerir alimentos desde el pasado domingo en protesta por el maltrato que sufre en prisión y las continuas amenazas contra su familia.

"El sábado por la noche varios agentes atacaron la celda 56, nos obligaron a mí y a mis compañeros a salir al patio sin ninguna ropa y nos mantuvieron al fresco durante una hora y media", relató Panahi a su esposa, Tahereh Saeedi, durante una llamada telefónica el martes. "El domingo por la mañana, me llevaron a la sala de interrogatorios y me acusaron de filmar dentro de mi celda, lo cual es absolutamente falso. Entonces me amenazaron con encerrar a toda mi familia en Evin y enviar a mi hija a un centro de detención inseguro en Rajaie Shahr", añade el texto difundido por la CIDHI.Fue a partir de ese momento cuando Panahi, de 49 años, decidió no ingerir más comida ni líquidos. "Me gustaría anunciar que, a menos que se cumplan mis peticiones, continuaré negándome a comer y beber porque no quiero convertirme en un conejillo de indias que es sometido a diversas torturas, maltrato metal y psicológico, y falsas acusaciones". El director exige poder contactar con sus familiares y recibir sus visitas para tener la seguridad de que se encuentran bien; el derecho de tener un abogado tras 77 días de detención, y su libertad incondicional hasta la fecha de su juicio y sentencia en firme.Panahi, que ha ganado numerosos premios internacionales, respaldó al dirigente opositor Mir Hosein Musaví en las presidenciales del año pasado. Al ser detenido el 1 de marzo, en compañía de su mujer, su hija y otra docena de personas que se encontraban en su domicilio, fue acusado de estar preparando una película sobre las protestas que siguieron a aquellas controvertidas elecciones. El resto de los detenidos, incluido el también director de cine Mohammad Rasulof, han sido liberados desde entonces."Estamos preocupados porque la valiente acción de Jafar Panahi al revelar su tratamiento ilegal e inhumano pueda aumentar el maltrato físico y psicológico que recibe", confía Hadi Ghaemí, el director de la CIDHI, en un e-mail a esta corresponsal. "La Campaña responsabiliza a las autoridades de cualquier deterioro en su salud". Con anterioridad, este grupo ya había advertido del riesgo de que el director pudiera sufrir un ataque al corazón mientras era mantenido en una celda de aislamiento.De hecho, fuentes próximas al cineasta atribuyen la extensión dos meses más de su detención preventiva al mensaje filmado que envió al Festival de Cine de Cannes. En él, Panahi daba cuenta de su interrogatorio durante una detención previa, el pasado julio, por haber acudido a depositar unas flores a la tumba de Neda Agha Soltan, la joven asesinada que se convirtió en símbolo de las protestas post electorales. Desde entonces tenía prohibido salir del país. Ahora, su ausencia en el jurado de Cannes ha motivado no sólo el gesto simbólico de una silla vacía, sino reiterados llamamientos a su liberación de varios de sus responsables y participantes. Especialmente emotiva fue la intervención ayer del veterano Abbas Kiarostami exigiendo a las autoridades iraníes que dejen libre al director de El Globo Blanco (premiado en Cannes en 1995), El Círculo y Offside, entre sus películas más conocidas. A las voces en pidiendo su libertad se han sumado dos ministros franceses. Con anterioridad, un grupo de celebridades de Hollywood, entre las que destacan Steven Spielberg, Martin Scorsese y Robert De Niro, también firmaron una carta abierta al Gobierno iraní en el mismo sentido.Amnistía Internacional, que le considera un preso de conciencia y ha respaldado la campaña por su liberación, recuerda que otro cineasta iraní, Mohammad Ali Shirzadí, también se encuentra en la misma cárcel que Panahi. Al parecer Shirzadí está detenido por haber filmado una entrevista entre un activista de derechos humanos y el más relevante de los clérigos disidentes iraníes, el gran ayatolá Ali Montazarí, antes de su muerte el pasado diciembre.

ÁNGELES ESPINOSA | Teherán 19/05/2010 (Diario El País de Madrid)

lo nuevo de JLG

El nuevo film de Jean Luc Godard, Film Socialisme estará para verse en internet en simultáneo con su estreno en el festival de Cannes.

POLLACK

Desde hace unos días los recordatorios periodísticos acerca del director Sidney Pollack (al menos en Argentina) lo describen como un director mediocre (con algunas películas aceptables), un muy buen actor de reparto y un gran tipo. Me pregunto ¿por qué esa insistencia en los medios locales de negarle el concepto de bueno o talentoso (director) y en cambio mencionarlo como buen artesano? Pensar que hace un año atrás cuando se morían dos grandes indiscutibles (Bergman y Antonioni) algunas "cabezas brillantes" de nuesto medio llegaron a dudar de la grandeza de la obra de estos tipos. Hasta un crítico devenido en cineasta habló de Antonioni como un gran "artesano" intentando quitarle al término la idea peyorativa con la que se carga al momento de utilizarlo en contraposición con "artista". Pero las palabras tienen un significado que al utilizarlas sabemos de antemano a lo que nos estamos refiriendo y eso no se le escapa a quien está acostumbrado a escribir en los medios. Por otra parte ¿Cuántos directores de cine tienen una obra sin altibajos? seguramente muy pocos, como también hay muchísimos directores mediocres. Pero no es el caso de Sidney Pollack, director al que hay que analizar dentro del medio en que producía y no por fuera de él. Pollack era un realizador de Hollywood al que sus ideas liberales lo acercaban o vinculaban con un cine un tanto más reflexivo pero siempre dentro de la gran industria del espectáculo. Y para mí una de las muestras más acabadas de que detrás de un film hollywoodense hay un buen director se da cuando haciendo zapping me encuentro con esa película que ví tantas veces pero que cuando la engancho (no importa en que parte) quiero seguir viéndola hasta el final. Cada tanto el control remoto se detiene en The Firm o con La Intérprete, como en otra época (y por canales abiertos) me cruzaba con Los tres días del cóndor o Ausencia de Malicia. Como también tengo un recuerdo muy grato de Nuestros Años Felices, película esta que quizás no resista una segunda o tercera mirada a través del tiempo y que sin embargo sigue siendo más intensa la primera impresión bañada por esa música que mi viejo tenía en un viejo disco de soundtracks de los 6o y 70. Con ese puñado de películas basta para tener un director talentoso detrás de las cámaras y no solamente un artesano. Aparentemente Pollack también fue un gran tipo al que todos querían y eso no es un dato menor para un artista.

ROJO ARGENTO POR CANAL 7

Poco a poco Canal 7 va ocupando espacios que la televisión abierta ha dejado abandonados o cedidos a las señales de cable. Ver películas por tv en versión original y con subtítulos no es algo que acostumbren las televisoras que hegemonizan el mercado del aire. Y si bien gran cantidad de gente puede disfrutar de la tv por cable o satelital, sabemos también que son muchos los que sólo captan las señales que llegan a través de una antena. Y cuando nos adentramos en lo que podríamos llamar el interior de nuestro país, esto se acrecienta más, como así también la llegada del canal estatal. Por esto mismo sentí un doble placer al encontrarme hace unas pocas horas en el ciclo de Fernando Martín Peña con Rojo Profundo de Darío Argento, no sólo en versión original subtitulada sino también respetando la pantalla ancha que en la copia que recuerdo haber visto hace años en vhs no se podía apreciar ya que la habían reconvertido a full screen. Hace unos días con unos amigos recordábamos las películas de Argento y mi recuerdo siempre fue el de un estilista un poco tosco, efectista en el límite del kitsch pero con la personalidad suficiente como para convertirse en autor. Rojo Profundo es mi preferida, con el protagónico de David Hemmings, diez años después de Blow Up, actor que siempre me hizo acordar de Paul Mac Cartney y que casualmente hace de músico. Rojo Profundo por momentos parece contener elementos de las series de Brian Clemens, como así también de Psicosis y adelanta con sangre algunas sagas de terror clase B de los 80. Argento se convirtió en los 70 y los primeros 80 en la versión italiana del De Palma de Obsesión, Furia, Vestidad para Matar o Blow Out, pero un poco más grasa y menos sutil. Creó un estilo de thriller alla italiana, de la misma manera que su contemporáneo Sergio Leone lo hizo con el western spaghetti, pero con un poco más de vuelo poético. De todas maneras es un placer para los que ya vimos las películas del papá de la bella Asia volver a encontrarnos con estos films y es muy recomendable para los que solo conocen a su hija ir a buscarlos a su video club amigo o esperar una nueva función por Canal 7.

MY BLUEBERRY NIGHTS

Hace poco más de una semana escribí para el sitio www.clubdefun.com un comentario sobre la película My Blueberry Nights. Ahora agregué algunas cositas y va la versión extendidad, un par de líneas más.


Hay una película que no se estrenó en Argentina, pero que probablemente haya sido una de las mejores del 2007. El cine hoy en día nos depara pocas sorpresas. Hace tiempo que no salgo de una sala con la sensación de haber visto algo de lo que difícilmente pueda olvidarme. Pero en el dvd y con un televisor de 21 pulgadas tenemos la suerte que es esquiva en las salas. No es lo mismo, claro, la percepción y el tamaño de la pantalla hay que imaginarlo y el sonido nunca será igual que en un cine. Y muchas veces estas películas se pueden ver porque alguien las colocó en la web y alguien las bajó de allí. Entonces circulan copias que van de mano en mano o que se consiguen en los llamados “top manta”. Pero sabemos que para quienes consumen cine de una manera adictiva, cualquier forma de llegar a la película es válida.

My blueberry nights es la última película de Wong Kar Wai, el hongkonés autor de Con ánimo de amar, 2046, Happy Togheter, Chunking Express, entre otras.

Lo que hace destacar esta película sobre la media de cualquier estreno es el hecho de que estamos frente a uno de los pocos autores que tiene el cine contemporáneo. Cuando hablo de autor me refiero a descubrir marcas personales, elementos novedosos con sello propio y una ética artística que hasta le permite realizar una producción en Estados Unidos sin renunciar a ninguna de sus preocupaciones ni sus búsquedas estéticas. My Blueberry Nights tiene un elenco internacional (Jude Law, Natalie Portman y el protagónico de la cantante Norah Jones) pero sigue siendo consecuente con lo que Wong Kar Wai ha realizado hasta ahora. Esto es algo difícil de conseguir cuando se rueda en las cercanías de Hollywood y hay pocos ejemplos de directores que hayan salido ilesos de esas experiencias, tal vez la película que podríamos considerar una prima lejana de esta, sea Paris, Texas de Wim Wenders, también un extranjero en EEUU y con planteos narrativos y estéticos de los cuales Wong Kar Wai es deudor. My Blueberry... tiene algo de la estética de Paris, Texas, pero totalmente diferente, es raro explicarlo y tal vez no se distinga esta filiacion a simple vista. Donde Wenders hace grandes planos generales con gran profundidad de campo , Wong Kar Wai utiliza un teleobjetivo, aplastando los personajes contra un fondo fuera de foco y que debemos intuir. La movilidad de la cámara del oriental se contrapone con la lentitud de los travelling del alemán. Pero las dos películas están atravesadas por una mirada original hacia la iconografía de Estados Unidos, hacia la soledad de esos personajes que son tratados con respeto y sin la banalidad que nos tiene acostumbrado Hollywood. Las dos películas también representan la modernidad cinematográfica de cada momento: los 80 y los primeros años del siglo XXI. Y las dos tienen música de Ry Cooder, aunque la voz que canta supongo que es la de la misma Norah Jones.

Pero volvamos a My Blueberry Nights.

La historia de la película es muy sencilla y elemental. Una mujer que es abandonada por su pareja y vuelve recurrentemente a un bar a donde cree que él regresará. El bar es atendido por quien sabemos que a la larga conquistará a esta mujer. Pero en una de sus crisis, la chica decide pegar el típico viaje este-oeste-este que la lleve a encontrarse… vaya a saber con qué, en un plan de Keruac posmoderno. ¿Cuántas películas se han hecho en base a este planteo? Pero la anécdota se transforma en un gran film gracias a la dirección de este hongkonés, en donde el emplazamiento de la cámara, la luz y la empatía que surge hacia los personajes es no hace olvidar de lo trillado del planteo. Y aquí volvemos con el concepto de autor, el sello de este director hace de este film un film particular, diferente a pesar de estar plagado de lugares que serían comunes en otros y esto de por sí no es poco en el cine de hoy.

Bonus: La música

HISTORIA(S) DEL CINE

cuando quieras
historias del cine
y de la televisión
eso sólo podía venir
de alguien
de la nouvelle vague

la nouvelle vague
quizás la única generación
que se encontró
a la vez en la mitad del siglo
y quizás del cine

el cine es la cuestión del siglo veinte
es la cuestión del siglo diecinueve
pero que se resolvió
en el siglo veinte

la suerte que ustedes tuvieron
fue la de llegar
lo suficientemente temprano
para heredar una historia
que ya era rica
y complicada
y agitada

la suerte de haber tenido bastante tiempo
para ver bastantes filmes
y formarse un criterio personal
de lo que era importante
o menos importante
en esa historia
y tener una guía
se sabe que Griffith
viene antes de Rossellini
Renoir, antes de Visconti
y el momento preciso
de vuestra aparición
en una historia
ya narrable
aún narrable
que había sido contada
se puede decir
pero nunca narrada
pero había aún
bastante saber
y bastante pasión
para poder decir algo
y saber que se llega
antes de algo
y después de algo
el hecho de estar así
en la mitad del siglo

Jean Luc Godard (Fragmento de Historia (s) del Cine, editado por Caja Negra

INLAND EMPIRE - EL IMPERIO DE LA MENTE DE DAVID LYNCH

Inland Empire o Imperio como se llama aquí en Argentina o El Imperio de la Mente como le han puesto acertadamente en Italia.

Lo nuevo de David Lynch da para ríos de palabras, elucubraciones y análisis de los más diversos. Algunos descabelladamente obsecuentes y otros que intentan disminuir la potencia de un film tan radical como este. Tal vez no se deba encarar el análisis de esta película de la misma manera que se lo hace con cualquier otra, ya que los elementos que la componen si bien son los mismos que contiene cualquier film, en este caso la articulación de dichos elementos da como resultado algo diferente. Un crítico desde España escribió que Inland Empire es la primera película de la era YouTube, pero se podría decir lo mismo de Scorpio Rising (1964) de Kenneth Anger, aunque en esa fecha Internet solo estuviera en las ideas de Philip Dick. . Posiblemente Anger sea una de las mayores influencias de Lynch, aunque esto no aparezca en ninguna reseña, sería bueno revisar la obra de Kenneth Anger y de otros cineastas experimentales de los 50 y 60 para encontrar las verdaderas raíces del cine de David Lynch.

Podríamos decir también que Inland Empire es la primera película de la era del zapping pero decir esto ya es demodé y los críticos necesitan catalogar sobre la aparente novedad. Pero lo importante de INLAND EMPIRE es que escapa a cualquier encasillamiento y lo hace desde el corazón de le industria del espectáculo porque aunque Lynch sea un marciano en Hollywood no puede escindir su film de una conexión permanente con la Meca del Cine ya que los personajes de INLAND EMPIRE al igual que en El camino de los sueños, pertenecen al mundo de Hollywood. Otras voces críticas, menos obsecuentes, le recriminan a Lynch no tomar partido por su tiempo histórico, estar ajeno a cualquier realidad que lo circunda y mirarse el ombligo. Lynch es un artista radical, que intenta llegar a los límites que sus colegas contemporáneos-compatriotas no pueden o no quieren porque tienen la mira puesta en los réditos económicos de la industria o porque ven limitada sus intenciones por imposiciones de producción. Por lo que entiendo que Inland Empire también habla de política, de su país y de la perversidad del sistema Hollywood. Repasemos: una actriz que sueña con un protagónico pero que por momentos se transforma en prostituta o en mujer golpeada, un marido poderoso con mansión en Los Angeles vinculado a negocios oscuros, la opulencia de la vida de una star system versus el frío de Polonia que sufre la crisis de ya no ser lo que supo ser para entregarse al capitalismo como europeos del tercer mundo donde sus bellas mujeres canjean sexo en las calles. Pero por momentos todo se reduce a la pantalla del televisor banalizándose en la unidad que propone la tv al contener dentro de sí A TODO. INLAND EMPIRE está a la vez muy lejos y muy cerca de cualquier film. Cerca porque utiliza los recursos de cualquier película convencional y lejos porque los conjuga de manera tal de crear climas y sensaciones que solo se puede lograr con un manejo y un conocimiento del leguaje cinematográfico del que pocos pueden alardear, combinando el clasicismo con la vanguardia indie con una lógica dentro del relato que termina siendo un perfecto mecanismo de relojería.

Parten los últimos grandes maestros

Bergman y Antonioni. Los dos últimos grandes maestros del cine se van con pocas horas de diferencia, como si juntos ya se hubieran hartado de este mundo y decidieran emprender juntos otros rumbos como de alguna manera lo hicieron en vida cuando sus películas se interrogaban sobre los problemas y las crisis del hombre de la segunda mitad del siglo XX. Bergman indagó como nadie los conflictos y los demonios del alma humana, sin dar concesiones y muchas veces de manera cruel. Antonioni fue el fotógrafo del hastío y el tedio del capitalismo, construyó el cine de la incomunicación siendo por momentos la mejor y la peor influencia en muchos cineastas que intentaron seguir esos caminos.
Fueron realmente autores por eso los intentos de imitación solo han llevado al fracaso a quienes se quisieron acercar a esos mundos que solo podían ser abordados por sus propios creadores.
Por suerte nos quedan los videos, los dvd y el e mule para encontrar algunas joyas perdidas y que por este país tardarán en aparecer.